Sui limiti della biografia d’artista
Il sistema dell’arte contemporanea ha progressivamente adottato una retorica del resoconto che assimila la biografia dell’autore a una certificazione di garanzia. La consuetudine di scandire l’attività artistica mediante un rigido catalogo cronologico di esposizioni, premi e attestazioni risponde alla necessità mercantile di certificare un valore esteriore prima ancora di interrogare l’opera. Questa architettura curricolare genera tuttavia un’illusione di linearità. La pratica artistica è, per sua natura, un processo discontinuo: non avanza per scatti progressivi, bensì per fratture, soste prolungate e ripensamenti. Ridurre il percorso di un autore ai soli momenti di legittimazione istituzionale significa sopprimere l’attrito reale di cui la ricerca è intessuta. Ciò che rimane escluso dall'inventario formale è spesso il fondamento stesso della poetica: il tempo trascorso a comprendere la distanza da un soggetto, la densità dell'esperienza quotidiana, le deviazioni che non producono documenti spendibili ma definiscono l’orientamento dello sguardo. Restituire dignità alla complessità della ricerca visiva impone di non confondere il valore di un cammino con la rassegna delle sue approvazioni, riconoscendo che la sostanza dell'immagine risiede nella profondità dell'attraversamento e non nella sua superficie numerica.
Maria Di Pietro

Visual Artist / Fotografa / Narratrice di immagini / Co-fondatrice di Lumina Factory Atelier
"Maria fotografa di continuo e d'istinto... afferra quell'attimo di cui aveva intuito la presenza, fissandolo nel tempo. Si muove silenziosamente, in rapidità, come in una caccia. È capace di afferrare l’anima."
Rosella Gallo

Tracciato di ricerca e attraversamenti
Formatasi all'Accademia di Belle Arti di Napoli attraverso una ricerca teorica e visiva discussa con Ennery Taramelli, Fabio Donato e Donella Di Marzio, Maria Di Pietro edifica le radici del proprio sguardo sullo studio rigoroso della grande scuola italiana e del pensiero visivo del Novecento: dall'attenzione per il paesaggio interiore e la sospensione metafisica di Luigi Ghirri alle geografie dello spazio vissuto di Giovanni Chiaramonte, fino all'impegno etico e civile di Luciano D'Alessandro nel documentare le fratture sociali del Mezzogiorno. Accanto a questi maestri, la sua genealogia visiva accoglie riferimenti cardine della fotografia internazionale al femminile: l'intransigenza politica ed estetica di Tina Modotti nell'unire arte e lotta civile, e la sensibilità umanista di Sabine Weiss, maestra nel cogliere la poesia fuggevole della strada e la luce nuda dei volti anonimi. Questa costellazione visiva genera una tensione binaria costante: da un lato la spinta verso l'inchiesta fotogiornalistica sul campo, dall'altro la necessità primaria e non negoziabile della ricerca artistica e concettuale.
I primi passi muovono dalla terra d'origine, Liternum e la Campania Felix, per documentarne con fermezza etica le contraddizioni, le ferite ambientali e le ingiustizie sociali. L'esposizione collettiva Arte Involontaria presso la Galleria Porta Blu di Roma, curata da Rosella Gallo (critica e storica dell’arte che "mi ha insegnato con la parola scritta e con l'esempio che l'arte è prima di tutto un mestiere fatto di studio, organizzazione e severa disciplina, dove il rigore non spegne mai la poesia ma ne custodisce la bellezza") ne rivela precocemente la natura istintiva, attenta a cogliere il dato umano prima di ogni costruzione formale.
L'esperienza professionale matura sul campo attraverso la collaborazione con l'agenzia fotogiornalistica Controluce, la pubblicazione su testate nazionali e internazionali e i percorsi di sopravvivenza visiva condivisi con Sergio De Benedittis, fino all'approdo alla XII Biennale dei Giovani Artisti dell'Europa e del Mediterraneo nella sezione teatro. Decisivo per la maturazione del suo sguardo è l'incontro con Alda Merini: una vicinanza che le consegna l'eredità di una sensibilità radicale, avversa a ogni compromesso con il potere e devota unicamente alla verità della parola e del sentire.
La necessità di raccontare le comunità ai margini trova forma nel corpo di lavoro Napoli Nomade, incentrato sulle condizioni degli insediamenti Rom nelle periferie industriali partenopee. Il progetto riceve l'attenzione di Grazia Neri, viene esposto all'Archivio Parisio insieme a Giulio Piscitelli a cura di Stefano Fittipaldi ed è premiato da Pino Bertelli al Festival del Cinema dei Diritti Umani di Napoli, aprendo la via a una residenza e a un reportage urbano a Buenos Aires. La documentazione del terremoto dell'Aquila segna tuttavia una soglia irreversibile: la presa di coscienza dei limiti del consumo mediatico spinge Maria a congedarsi dal fotogiornalismo d'agenzia per difendere l'indipendenza e la lentezza del proprio atto visivo.
La ricerca si apre a nuove geografie e linguaggi corali. Nasce la partecipazione al progetto Fabbrica delle Arti a Napoli con Giusy Laurino, in dialogo con artisti come Nathalie Du Pasquier, Chung Eun-Mo, Oreste Zevola, Renato Barisani e Fabrizio Carola, cui segue la presentazione del ciclo Presenze al Napoli Teatro Festival. Dopo una fase di studio e silenzio tra i sassi di Matera, seguono l'intervento al Festival di Riace, il progetto Lettere da Lampedusa per la rassegna sulle migrazioni mediterranee e la presentazione al PAN (Palazzo delle Arti di Napoli) del ciclo Guardami, dedicato ai diritti violati dell'infanzia nei campi di Masseria del Pozzo a Giugliano. L'opera, sostenuta e proiettata da Pino Bertelli, viene successivamente acquisita dalla Commissione Diritti Umani a Roma e raccolta nella monografia edita da La Città del Sole con un saggio critico. Nello stesso contesto curatoriale cura per l'Institut Français la prima mostra nazionale dell'artista dissidente cinese Liu Xia, mentre il confronto sul campo prosegue nel dialogo quotidiano con il fotografo Cesare Abbate.
Il trasferimento in Toscana apre una nuova stagione di produzione e docenza. L'opera Boca entra nella collezione permanente del Museo M.O.C.A. di Montecatini Terme, mentre l'incontro con Letizia Battaglia sancisce un'intima affinità attorno alla dignità dei ritratti d'infanzia. La partecipazione alla rassegna Libro d'Artista per l'Archivio Carlo Palli colloca il suo lavoro accanto a matrici storiche delle neoavanguardie — da Jannis Kounellis a Hermann Nitsch, da Keith Haring a Emilio Isgrò, Man Ray e Yōko Ono. L'esposizione di Fotografia della Reverie per ArtShow in occasione di Pistoia Capitale della Cultura, diretta da Fabio De Poli, segna l'avvio del sodalizio intellettuale e curatoriale con Felisia Toscano. Da questa intesa scaturiscono attraversamenti fondati sul legame tra cammino, letteratura e visione: dalle geografie fluviali del Douro in Portogallo alle tracce di Walt Whitman tra i moli e i sobborghi di New York, fino al diario per immagini che documenta in prima persona l'isolamento da Covid-19.
La riflessione teorica si formalizza nella stesura del Manifesto per una fotografia di bellezza e giustizia con Pino Bertelli e Felisia Toscano, mentre la pubblicazione del volume Fotografia Ribelle Edizioni Interno4 include il suo nome nel canone delle trentatré autrici che hanno segnato la storia internazionale della fotografia.
La città di Parigi diviene un polo d'elezione e di costante ritorno: qui prende forma l'indagine urbana e poetica dedicata alla memoria delle origini con l'esposizione Correspondance, omaggio visivo a Napoli presentato nella capitale francese nel cuore di Rue Mouffetard e successivamente accolto nel circuito Off dei Rencontres d'Arles nel 2026. Da questo stesso orizzonte parigino muove l'evoluzione più recente della sua ricerca sulla donna flâneuse, che trova il suo compimento naturale nella fondazione di Lumina Factory Atelier.
L'adozione della camera oscura lignea ambulante e dei supporti cartacei ai sali d'argento non costituisce un rifugio nostalgico nel passato, ma una scelta dialettica e contemporanea: interrogare il presente attraverso la materia, l'attesa e la relazione fisica con i luoghi e i corpi. Attraverso residenze internazionali, dall'Atelier Malicot in Francia a Monaco all'Atelier Elvira attraverso l'incontro con la storica della cultura Ingvild Richardsen, la pratica assume la postura del cammino e dell'ascolto, restituendo alla fotografia la sua natura primaria di custodia della memoria sociale, cura del dettaglio e testimonianza umana. In questo cammino si inserisce l'incontro fecondo, oltre la fotografia, con l'artista Rébecca Dautremer, una consonanza profonda attorno al rigore dell'inquadratura e al mistero delle cose taciute, che continua ad arricchire la sua prassi visiva e la misura del suo sguardo.

Dichiarazione di Poetica / Il pane e le rose
di Maria Di Pietro
Ho scelto di abitare una postura eccentrica rispetto alle geometrie del potere e ai recinti del consenso. Rifiuto il conformismo di quegli ambienti in cui l'arte si riduce a compiacimento o rendita di posizione; non ho mai concepito la fotografia come strumento per capitalizzare la fragilità altrui sull'altare della notorietà effimera. Come insegnava Susan Sontag, fotografare non deve mai trasformarsi in un atto di appropriazione predatoria o di consumo distaccato del dolore, ma restare un esercizio di etica, rigore e presenza. Albert Camus ricordava che la libertà resta la condizione prima anche quando la giustizia appare incompiuta, la libertà dello sguardo preserva la facoltà di nominare la ferita e mantiene aperta la possibilità della rivolta poetica. E insieme, Simone de Beauvoir affermava che la libertà autentica esige di volere al tempo stesso la libertà degli altri, esistere significa aprirsi al mondo per trasformarlo, senza mai accettare che la propria voce o la vita altrui siano ridotte a cosa o a mero strumento.
La mia fotoscrittura abita questa faglia: testimoniare la bellezza e la giustizia attraverso l'intransigenza della poesia. L'immagine non è una superficie muta; è pensiero corporale che cerca la luce e pretende la parola. Scrittura e visione si fronteggiano come istanze speculari per dare forma alla densità dell'esperienza.
Rivendico la necessità di uno spazio non addomesticato, il pane del rigore e le rose della visione, che non elemosini riconoscimento da canoni prestabiliti o logiche di mercato. Scelgo l'erranza, il passo della flâneuse, la liturgia arcaica della camera oscura ambulante e la grana sensibile dei sali d'argento. Sviluppare una lastra o una carta all'aperto, accogliere il respiro di chi sosta dinanzi all'obiettivo, interrogare la memoria dell'archivio vernacolare e far dialogare la materia storica con il pensiero visivo contemporaneo: sono gesti di resistenza etica e affettiva. Non esiste archivio senza un luogo di consegna morale; esistere significa continuare a custodire la dignità dei volti e dei luoghi, trasformando la luce in una traccia durevole di verità.